Body Art
BODY ART
El body art es un movimiento artístico dedicado a la decoración del cuerpo
Lo dijo claramente Michel de Montaigne: “Somos maravillosamente corporales”. El humanista francés daba cuenta así de la admiración con que el Renacimiento descubrió un nuevo continente: el hombre y su cuerpo, la parte carnal del individuo, su naturaleza física, terrenal. Su lado puramente material. Todo aquello planteó una novedad crucial que no se detuvo hasta la Ilustración: algo así como una “civilización del cuerpo”, muy firme y optimista, sí, pero cruzada también de espinosas dudas morales, de paradojas y devociones. En esa travesía, la carne humana estuvo en el centro del circo artístico, en una lucha con apasionantes cambios y reacciones.
ARTE EGIPCIO
El arte en el antiguo Egipto está completamente apartado de la idea moderna del arte por el arte, es decir, no se desliga de su función religiosa dentro de la cultura; de esta manera, el cuerpo humano en la imagen egipcia debe pensarse desde el papel místico que desempeña y desde el cual fue concebido. A la pintura mural y al relieve en los templos y tumbas se le atribuye poderes mágicos, que permitían prolongar las virtudes de este mundo terreno en el más allá, según Lise Manniche, existe en los egipcios un gran aprecio por la calidad de la vida cotidiana y por la naturaleza ofrecida por la tierra del Nilo, y su deseo por conservar tales beneficios después de la muerte determinaron su producción artística, “Su motivación principal (de los artistas) debía ser la voluntad de mantener el mundo como lo habían conocido, la uniformidad en el arte egipcio procedía del principio de que en ese mundo los cambios no eran necesarios.”
ARTE CLASICO
La Escultura griega clásica fue considerada durante mucho tiempo la cima del desarrollo del arte escultórico en la Antigua Grecia. Se suele tomar como un punto de partida aproximado para describir esta escultura clásica el año 450 a. C. que fue cuando apareció un tratado sobre las proporciones del cuerpo humano escrito por Policleto; su final está marcado por la conquista macedónica sobre Grecia en el 338 a. C., momento en el que el arte griego comienza una gran difusión hacia el oriente, de donde recibió influencias, cambió su carácter y se convirtió en cosmopolita, en la etapa conocida como el periodo helenístico. Es en ese momento cuando se consolida la tradición del clasicismo griego, tomando al hombre como la nueva medida del universo, y cuyo reflejo en la escultura es la primacía absoluta de la representación del cuerpo humano desnudo.
La escultura clásica desarrolló una estética que combinaba los valores idealistas con una representación fidedigna de la naturaleza, pero evitó la caracterización y la interpretación excesivamente realista de las sensaciones emocionales y permaneció por lo general en un ambiente formal de equilibrio y armonía. Incluso cuando los personajes se encontraban representados en escenas de batalla, su expresión no reflejaba la violencia de los hechos.
La escultura es la manifestación artística en la que más destaco en el arte griego. El tema que más repitieron fue el del cuerpo humano, que sirvió para representar a héroes, divinidades y mortales. Al igual que en su arquitectura, los griegos valoraron especialmente la proporción, el equilibrio y el ideal de belleza. Los materiales que más emplearon fueron el mármol (coloreado) y el bronce.
Las figuras se hicieron más naturales y expresivas, adquiriendo más movimiento y posturas menos forzadas. Esculturas del Partenón. Desapareció la ley de la frontalidad. Los escultores se afanaron en la búsqueda de la perfección y la belleza ideal, aplicando estrictos cánones o reglas en sus obras. Fidias (esculturas del Partenón), Mirón, Policleto y Praxiteles fueron los más importantes.
En este período las esculturas fueron dotadas de mayor dinamismo (movimiento), así como de gran realismo. Ya no se trataba de representar el ideal de belleza, sino la naturaleza tal cual es, fuese alegre o dolorosa, bella o fea o, incluso, trágica (Muerte de Laocoonte y sus hijos).
La escultura griega fue imitada y reproducida por los romanos. Gracias a ellos conocemos cómo fueron muchas de las grandes obras hoy desaparecidas. Al igual que la arquitectura, ejerció una importantísima influencia en estilos más modernos, tales como el renacentista y el neoclásico.
La aparición del hombre en el arte románico prácticamente se limita a representaciones divinas, y deja de relacionar al hombre con la naturaleza, que pasa a un segundo plano o directamente desaparece. Las formas se vuelven planas y rudimentarias, queriendo destacar lo espiritual sobre lo real. Se tiende a una síntesis e idealización del ser humano, no preocupados por la perfección, sino por el mensaje transmitido. Juglares La vendimia Cristo en majestad Virgen con el niño
En la escultura se observan los cuerpos musculosos, claro que, puede ser principalmente por la representaciones de héroes los cuales son voluminosos. También la figura humana tiene detalle en cuanto a las piernas, y facciones
EL CUERPO EN EL GOTICO
Arte gótico En el gótico, la naturaleza y la arquitectura toman un papel relevante junto con el hombre en las representaciones artísticas. Desaparecen las líneas negras y el hombre adquiere de nuevo realismo, siempre enmarcado en entornos idílicos y escenografías. En escultura se busca la expresividad de los rostros, motivadas por distintos sentimientos como el dolor, la angustia o la alegría. El diablo y San Wolfgang Bendición de la Virgen Esculturas de una catedral Madonna del canceller Rolin
EL CUERPO EN EL RENACIMIENTO
En el Renacimiento vuelve a buscarse la perfección en las formas y en las proporciones, pero añadiendo el protagonismo de la Naturaleza y de la escenografía. La belleza vuelve a ser prioritaria, y no está reñido lo profano con lo sagrado. La perfección está en cada uno de los detalles. La Gioconda La Piedad El nacimiento de Venus Autorretrato de Leonardo da Vinci La creación del hombre La academia de Atenas
EL CUERPO EN EL BARROCO
La perfección idealizada empieza a ser sustituida por un realismo que en lugar de esconder los defectos busca realzarlos y hacer representaciones más terrenales y creíbles. La luz se atenúa en las obras pictóricas creando un efecto lúgubre y atormentado, provocado por la incertidumbre religiosa de la época. El cuerpo humano tiene proporciones más reales, incluso caricaturescas. Lechera Retrato Venus del espejo Lección de anatomía
EL CUERPO EN LA VANGUARDIA
Las técnicas de representación son más heterogéneas, distinguiéndose entre las que quieren captar la imagen del hombre y las que quieren estudiar su esencia. La libertad de representación de la figura del ser humano es debida al desligamiento del arte de la religión, a la representación de lo terrenal. Las distintas corrientes artísticas demuestran que el cuerpo humano puede ser entendido desde muy diferentes puntos de vista, y éstos pueden ser compatibles. Jugadores de cartas Retrato de Picasso Jinetes en la playa Escultura de Boccioni
EL CUERPO EN EL ARTE ACTUAL
En la actualidad el hombre es representado con infinidad de técnicas, realistas o sintéticas, minuciosas o conceptuales… Lo importante no es cómo, sino qué se transmite. Lucian Freud Fernando Botero Avigdor Arikha Jesús de la Luz Ron Mueck
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